VAMOS AL CENTRO

Conversamos con Ursula Mur, ganadora del Concurso Nacional de Pintura del Banco Central 2025 sobre su obra "Puerto Linda".Lee la entrevista completa aquí.

Entrevista: Karla Renjifo¿Qué representa tu obra "¿Puerto Linda”, ganadora del Concurso Nacional de Pintura del BCRP 2025?

La obra representa un día en la vida de los pobladores el pueblo Awajún Puerto Linda, ubicado en la Amazonía peruana, mostrando cómo conviven, se adaptan a las problemáticas y mantienen el sentido de comunidad a pesar de las dificultades. La pintura reflexiona sobre realidades que coexisten en esta comunidad y que persisten e incluso se agravan a través de los años —la contaminación, el abandono estatal y la fragilidad del entorno amazónico—,Está realizada con acrílicos y pasteles sobre una superficie de polipropileno reciclado, un material que me recuerda a las bolsas de mercado usadas en toda Latinoamérica. Elegí este soporte por su carga simbólica. No es una pintura realista, sino una interpretación expresiva que busca acercarse a este tema desde el respeto y la reflexión. Retratar la cotidianidad de Puerto Linda, con sus matices y afectos, también fue una manera de hablar desde el cariño y reconocer, aquello que estamos destruyendo.

¿Cuál fue tu inspiración para crear esta pieza?

“Puerto Linda” está inspirada en la investigación que me compartió mi amigo, el antropólogo Rodolfo Cocchella, quien realizó trabajo de campo en el pueblo Awajún Puerto Linda -ubicado en la Amazonía peruana- en 2018, para WCS Perú (peru.wcs.org), tras varios derrames de petróleo en la zona. A partir de lo que él compartió conmigo —sus relatos, fotografías y observaciones sobre la comunidad—, este lugar se convirtió en mi vínculo más cercano con una realidad que, aunque local, representa una problemática mucho más amplia. Puerto Linda no es un caso aislado. Situaciones similares se repiten en distintas zonas de la Amazonía peruana, donde la contaminación, la tala indiscriminada de los árboles y la falta de respuesta estatal continúan afectando profundamente a las comunidades indígenas y al ecosistema en general.La obra, que no busca ser una representación realista, transforma esa información y ese archivo en un lenguaje pictórico más libre y emocional. Mi intención siempre parte del respeto y del cariño. Creo que la situación en la Amazonía se vuelve cada día más incierta, y reconocer su urgencia y generar reflexión a través del arte puede ser una forma importante de abrir espacios de diálogo y visibilización. La violencia ambiental y social en la Amazonía crece constantemente, y las comunidades que habitan estos territorios viven sus consecuencias de manera directa. No podemos seguir pasando por alto lo que viene ocurriendo desde hace tanto tiempo.

¿Cómo llegaste a la pintura como medio de expresión y cómo expandiste tu práctica para llegar a ser artista multidisciplinaria?

Llegué a la pintura desde muy chica. Siempre me interesó todo lo creativo, aunque al comienzo quería hacer música. Pero creo que era muy tímida para eso y la pintura me ofrecía algo que me encantaba: poder expresarme sin estar en el centro, observar desde un costado. Me gustaba ese proceso solitario, pasar horas trabajando en silencio. Con el tiempo me di cuenta de que era mi medio, porque a pesar de los tropiezos y las dudas siempre volvía a pintar. El arte me dio una razón para levantarme cada día, para sanar, para entenderme y también para mirar el mundo con otros ojos. Mudarme a Nueva York fue un punto de quiebre. Ahí profundicé en la pintura y el grabado, y empecé a desarrollar una práctica más constante y disciplinada. Trabajé y compartí con artistas de diferentes lugares y edades, y eso fue fundamental. Aprendí muchísimo de ellos: de sus procesos, de sus preguntas, de sus formas de ver el arte y la vida. Me enseñaron que en el arte nadie lo sabe todo, que el aprendizaje real viene de escuchar, observar y mantenerse humilde. Con los años mi práctica se fue expandiendo de manera natural. Más adelante llegó la cerámica, la instalación y otros medios que me permitieron explorar nuevas formas de decir lo que pienso y siento. Todavía creo que tengo mucho por aprender, pero hoy tengo más claro quién soy, qué quiero comunicar y desde dónde lo hago: con honestidad, gratitud y la voluntad de seguir creciendo junto a otros.

¿Cómo fue y cuánto duró el proceso de creación de esta pieza?

El proceso de esta pintura comenzó como parte de un proyecto que estuve desarrollando el último año en distintas residencias artísticas. Quería trabajar a partir de la historia de la comunidad de Puerto Linda que conocí por amigo Rodolfo Cocchella. Además del informe y a través de muchas conversaciones, Rodolfo me contó sobre la comunidad, las costumbres, las creencias, cómo cambian las dinámicas entre las lluvias y las épocas secas, las actividades de pesca, y otros aspectos de la vida cotidiana que él pudo observar muy de cerca durante su investigación. Con toda esa información empecé a desarrollar la pintura durante una residencia artística en Portugal. Al inicio era una composición sencilla; usé spray de graffiti, luego incorporé acrílicos y pasteles. La pieza fue creciendo poco a poco, sumando personajes, colores y detalles. Después la llevé a Nueva York, donde llegó un poco dañada y tuve que restaurarla y seguir trabajando sobre ella. Finalmente, la traje a Lima, la volví a estirar y a pintar, ajustando tonos, especialmente en los rostros y en los verdes del paisaje. Fue un proceso largo, que acompañó mis propios desplazamientos durante varios meses. El hecho de moverla de un lugar a otro me permitió verla con nuevos ojos cada vez y entender que todavía necesitaba seguir transformándose.

¿Qué le recomendarías a los jóvenes que se quieren iniciar en el mundo del arte?

Estudiar arte es algo muy bonito, pero también requiere mucha disciplina. Creo que es importante aprovechar los primeros años para aprender todo lo posible, explorar técnicas, experimentar y practicar mucho. La práctica te permite descubrir materiales, procesos y desarrollar curiosidad sobre cómo usarlos. En mi caso, tardé varios años, pero finalmente estudié pintura clásica, dibujo y escultura académica. Eso cambió muchísimo mi trabajo y me ayudó a crecer como artista. Por eso recomiendo tener siempre esa disposición para aprender y valorar a las personas que te enseñan; esas herramientas técnicas y teóricas son muy valiosas. Sin ellas, probablemente me hubiera tomado más tiempo sentirme segura con mi trabajo. En mi caso también fue importante haber empezado de forma más intuitiva, informal o autodidacta, ya que me ayudó a desarrollar mi propio lenguaje artístico. La academia te da herramientas, pero es esencial no perder de vista lo que realmente quieres expresar haciendo uso de ellas. Hay que estar dispuesta a experimentar, construir y destruir en el proceso. Otra cosa que me parece fundamental es reflexionar sobre tu trabajo y buscar espacios de diálogo con otros artistas. Las críticas constructivas ayudan a crecer, pero no hay que dejarse afectar por los malos comentarios. El arte es subjetivo: no le va a gustar a todos y eso está bien. Lo importante es mantenerte honesta con tu trabajo, porque eso al final es lo más gratificante. Hacer arte no es fácil —ni económica, ni emocional, ni mentalmente—, pero creo que hay espacio para todos. Crear comunidad entre artistas, apoyarse y compartir procesos es algo muy valioso, especialmente porque el camino del arte puede ser solitario a veces. Encontrar esos espacios para compartir hace toda la diferencia.Encuentra a Ursula Mur en sus redes sociales: @ursula_mur en instagram y en www.ursulamur.com